Novecentismo (Generación de 1914)
3.- La novela: Ramón Pérez de Ayala y Gabriel Miró
4.- La poesía: Juan Ramón Jiménez
Cuando se habla de Novecentismo nos referimos a la obra de
un grupo de autores que alcanza su momento de máximo esplendor a partir del año
1914, de ahí el término Generación del 14
que también se les aplica.
Pueden sernos de
utilidad las definiciones que de este movimiento nos dan Azorín y Guillermo
Díaz Plaja. Para el primero, es evidente que en torno al año 1914 ha llegado a
la cultura española una nueva generación diferente de la modernista. Según él,
estos nuevos escritores pueden definirse por dos rasgos en oposición a la
literatura anterior:
·
-Son más
metódicos y racionales
Son, sobre todo, intelectuales, más que artistas.
Por otro lado, el
crítico catalán Guillermo Díaz Plaja
define el nuevo movimiento como lo
que ya no es modernismo ni noventayochismo, y lo que todavía no es vanguardismo.
Fue este autor quien introdujo el término novecentismo en la periodización
de la literatura española, tomándolo del noucentisme catalán, término
que Eugenio d’Ors había adoptado antes del italiano para referirse al movimiento
político catalanista que tuvo lugar entre los años 1906 y 1915.
Tanto la Generación
del 98 como la del 14 comparten preocupaciones y convicciones frente al
ochocientos y, más concretamente, frente a la Restauración. Pero a finales de
la primera década del presente siglo las pequeñas disensiones entre ambos
grupos comienzan a convertirse en grandes diferencias. Ortega declara superada
la época del nietzscheanismo puro y combate a Maeztu y a Unamuno. Se
declara abiertamente en contra de la insociabilidad en la lectura moral de
Baroja. La nueva actitud novecentista se observa claramente en Pérez de Ayala,
que deja a un lado la denuncia y el lamento y se propone actuar de una manera
práctica. Los componentes de esta generación son conscientes del papel político
que debe desempeñar la intelectualidad, tanto en la investigación de la
realidad del país como en la defensa del avance liberal.
Resulta muy
significativo el discurso de Ortega en el Teatro de la Comedia, en marzo de
1914, a modo de presentación de la nueva generación, que se define sin
ambiciones personales, austera, privada de maestros hispánicos, nacida de la
reflexión de 1898 pero sin concesiones a los tópicos del patriotismo. Una generación,
en suma, que no gritará y que piensa en primer lugar en las minorías.
Tendencias similares se dan en Francia, Inglaterra, Alemania e Italia: se trata
de la ascensión de las élites intelectuales juveniles al poder y la denuncia de
la "literatura caduca" y de la "política de los viejos". El
postulado vital de esta generación, enunciado por Ortega, sostiene que hay que
emprender una cultura biológica, con
sentido deportivo y festivo de la vida. Este vitalismo se ve presente en los
miembros de esta generación: Miró, d'Ors, Pérez de Ayala y, muy especialmente,
Gómez de la Serna. El vitalismo es proyectado sobre el tema que más preocupa a
los novecentistas: el tema de España: "Hay que rehacer la Historia de
españa hasta en sus últimos postulados". En esta línea trabajan Américo
Castro, Madariaga, Sánchez Albornoz, Marañón, etc.
Los novecentistas,
por otra parte, no sólo tienen como meta la transformación política del país
sino también la mutación del individuo, siendo imprescindible para ello una
amplia formación estética; de ahí la preocupación de esta generación por los
temas literarios, sus disquisiciones sobre los géneros y sobre el arte en
general, sus intentos de encontrar nuevas formas de novela y poesía y la
búsqueda incesante de nuevos lenguajes.
También buscan estos
autores, de una forma decidida, la solución en el acercamiento a Europa,
acercamiento que sirve tanto para formar a los escritores (los del 98 eran
autodidactas) como para influir en sus obras, entre las que destacarán los
ensayos rigurosos que, impulsados por la modernización de la Universidad y el asentamiento
de la industria editorial, se convertirán en el mejor vehículo para sus ideas. Según
explica José-Carlos Mainer, se puede hablar también de “una creación de un
público a través de la divulgación de ideas y de la voluntad pedagógica de la
literatura”, que tendrá en la prensa diaria y las revistas su lugar propicio.
Por otro lado, la influencia de las corrientes vanguardistas es
definitiva en la novela o la poesía de los escritores del 14. La deshumanización del arte que propugna Ortega
pretende acabar con la reproducción de la realidad para conseguir un arte puro,
pulcro y sin sentimentalismos, en el que el hombre y el papel de su
inteligencia sean seriamente revisados. La creación artística deberá procurar
desdramatizar su reflexión, y esto lo consigue mediante una elegante prosa contenida
y el recurso del humor, que logra revertir el pesimismo noventayochista. El
autor paradigmático en este último aspecto será Ramón Gómez de la Serna con sus
greguerías.
Autores
Seguiendo un criterio cronológico, Jorge Urrutia señala que los miembros
de la Generación del 14 nacen entre 1881 y 1892, frente a los noventayochistas,
nacidos entre 1866 y 1880, y los escritores del 27, que nacen entre 1893 y
1906. Estas fechas deben entenderse de una manera flexible, pues dos escritores
tradicionalmente novecentistas como son Gabriel Miró y Manuel Azaña, nacieron
en 1879 y 1880 respectivamente, y Claudio Sánchez Albornoz en 1893. Entre los autores
incluidos en el periodo que va de 1881 a 1892 están, entre otros: Ramón Pérez
de Ayala (1881), Juan Ramón Jiménez (1881), Eugenio d’Ors (1882), José Ortega y
Gasset (1883), Rafael Cansinos-Assens (1883), Julio Camba (1884), Américo
Castro (1885), Wenceslao Fernández Flórez (1885), Salvador de Madariaga (1886),
José Moreno Villa (1887),Gregorio Marañón (1887), Ramón Basterra (1888) y Ramón
Gómez de la Serna (1888).
2.- José Ortega y Gasset (1883-1956)
El guía indiscutible del grupo (“Generación de Ortega”, se le llegó a
llamar) nació en Madrid, en el seno de una familia acomodada de periodistas,
escritores y políticos. Tras licenciarse en Filosofía, amplía estudios en
Alemania. En 1910 obtiene la cátedra de Metafísica en la Universidad de Madrid.
En 1913 funda la “Liga para la Educación Política”; en 1915 la revista España y, en 1923, la Revista de Occidente, en la que hallarán
cabida las nuevas corrientes europeas y españolas de todos los campos del
pensamiento y de la creación. Durante toda su vida desarrolló una intensa
actividad como escritor y conferenciante. Apoyó a la República pero luego se
sintió decepcionado. Al principio de la guerra civil se exilió; regresó en 1945
pero se le negó el reingreso en su cátedra. Ortega continuaría su labor
magistral en el Instituto de Humanidades fundado por él en Madrid. Murió en
esta ciudad en 1956.
Ortega es a la vez la máxima figura de la filosofía española del siglo
XX y un espectador agudo de la vida, las artes y la cultura. Literariamente
destaca por su estilo claro y elegante, en el que las metáforas y los símiles
son manejados con maestría para hacer más plástica la idea. Por ello ocupa un
lugar eminente entre los prosistas españoles. Desde el punto de vista
filosófico, sus teorías se sitúan entre el racionalismo y el vitalismo
(ratiovitalismo): se opone al irracionalismo imperante a la vez que se centra
en la vida humana. Y sus meditaciones sobre el hombre y su entorno (“yo soy yo
y mi circunstancia”, decía), le conducen a un interés creciente por la
Historia.
De entre su abundante producción ensayística debemos destacar, por su
influencia sobre la literatura y el arte de la época, La deshumanización del arte (1925). Esta obra pretende
realizar una descripción fenomenológica de la vanguardia en España. El arte
moderno, nos dice, "no sólo es impopular sino que es también antipopular,
siempre tendrá a las masas en contra". El arte moderno divide a los
receptores en minoría-élite capaz de entenderlo y gustarlo y mayoría
incapacitada. Esta mayoría aboga por el arte del siglo XIX, arte puramente
referencial. La minoría, por contra, encuentra el arte anterior demasiado
humano; se le debe despojar de su humanidad.
Ortega caracteriza así el arte nuevo de las vanguardias:
§
Es
un arte puro, del que debemos valorar solamente las puras calidades formales
§
De
ahí que se tienda a la deshumanización y se releguen las emociones humanas en
pro de la emoción estética
§
Es
por ello un arte intelectual, “el placer estético tiene que ser un placer
inteligente”
§
La
poesía será antirromántica, “el poeta empieza donde el hombre acaba”, su
quehacer es la pura creación verbal: “la poesía es hoy el álgebra superior de
las metáforas”
§
En
fin, el arte tiende a convertirse en juego, lejos de todo patetismo. Será
esencial al arte joven la ironía y hasta un “pirueteo” vecino a lo deportivo.
También de 1925 es el ensayo Ideas
sobre la novela, en el cual Ortega sostiene que la novela como género se
agota por dos razones: la dificultad de hallar temas nuevos y las crecientes
exigencias estéticas de los lectores. El relato realista ya no atrae a éstos y
el novelista debe compensar el agotamiento de los temas con el cuidado
exquisito de “los demás ingredientes”. Así, el argumento “humano” y el reflejo
de realidades sociales deben ceder el paso a lo imaginativo o lo intelectual y
a los primores de la estructura o del estilo. Se llegará por tanto a una novela
“deshumanizada” en la que la acción será un puro “soporte mecánico” de otros
elementos más aptos, según Ortega, para proporcionar el goce artístico “puro”.
También entra dentro del ámbito de la literatura Meditaciones del Quijote, la primera obra extensa de Ortega,
publicada en 1914. Las veinte meditaciones
del personaje cervantino parten de los géneros literarios: la épica mitifica personajes atemporales
en aventuras fantásticas, como
los libros de caballerías. La novela, cómica y mimética, ridiculiza
la realidad y la desprecia, como
algo mostrenco. El Quijote -como La Celestina-
fundió épica y novela: lo muestra el retablo
de Maese Pedro o el episodio de los molinos. La voluntad de don Quijote lo hace héroe oblicuo: su conducta parece
grotesca al espectador antiheroico. Por eso, el Quijote
manifiesta el fin de la épica y el inicio de una novela, lírica de la mediocridad,
al modo de Flaubert y de las
teorías darwinistas.
De entre los demás ensayos de Ortega, debemos destacar La rebelión de las masas (1930),
análisis sociológico de la realidad de su época que explica en parte las
teorías del autor sobre la vanguardia y la creación artística:
La
humanidad crece y el nivel de vida mejora. Las distancias se reducen pero
también las perspectivas del hombre: un salvaje
sin deberes ni responsabilidades
disfruta beneficios que no creó, pero de los que se cree merecedor. El hombre-masa, en un presente inestable,
reacciona de manera violenta: es un señorito maleducado y satisfecho, desconoce
su medio. Es un primitivo que disfruta la técnica e ignora la ciencia. Liberado de su responsabilidad, exige derechos e
ignora que puede perderlos. Como técnico es un bárbaro especializado: sabe mucho acerca de poco; no sospecha que
el Estado amenaza su libertad.
Al tratar quién manda en el mundo, Ortega admite la decadencia de Europa pero espera un Estado -basado en el modelo latino- europeo, debido a los rasgos
comunes de sus naciones. Propone renovar el liberalismo, rasgo de identidad europeo, e inyectar moral a Europa cuando la élite adquiera responsabilidades.
Otros títulos destacados de Ortega y Gasset
son: El espectador (obra en 8
volúmenes, con trabajos publicados en la prensa entre 1916 y 1934), España invertebrada (1921), El tema de nuestro tiempo (1923),
Las Atlántidas (1924), En torno a Galileo (1933) y Estudios sobre el amor (1941).
3.-
La novela: Ramón Pérez de Ayala y Gabriel Miró
3.1.- Ramón Pérez
de Ayala (1881-1962)
Se le considera el más claro representante de la
novela intelectual. Nació en Oviedo. Estudió con los jesuitas y Derecho en la
Universidad ovetense, donde fue alumno de Clarín. Ya en Madrid, participa en la
fundación de la revista Helios y se deja influir por autores tan dispares como
Rubén Darío, Galdós, Azorín u Ortega. En 1928 fue nombrado miembro de la Real
Academia Española. Fue embajador en Londres durante la República y luego se
exilió a Buenos Aires. Regresó a Madrid en 1955.
Comienza escribiendo contenidos autobiográficos con
una estética noventayochista, para pasar después a un tipo de novela
intelectual. A. Amorós divide su obra en tres etapas:
1) Tetralogía que narra la vida de Alberto Díaz de
Guzmán, personaje barojiano, "alter ego" del escritor. Tinieblas
en las cumbres (1907) es la primera de las cuatro novelas; obra no
exenta de artificiosidad, anuncia la temática de toda la narrativa del autor. A.M.D.G.
-ad maiorem dei gloriam- (1910) es
la segunda, de marcado acento antijesuítico. La Pata de la raposa
(1912) sigue el argumento de la primera, abandonando en parte el humorismo. Representa
el estudio de una mente torturada, un viaje intelectual en busca de identidad.
Troteras y danzaderas (1913) completa la tretralogía. Aparece en
ella una visión de la bohemia literaria del Madrid de principios de siglo, con
alusiones a personajes reales. Pérez de Ayala pretende en estas obras
"reflejar la crisis de la conciencia hispánica desde principios de este
siglo".
2) "Novelas poemáticas de la vida española",
publicadas en 1916 en un solo volumen formado por tres relatos: Prometeo, Luz de domingo y La
caída de los limones. Desaparece lo autobiográfico y ganan terreno las
ideas. Están consideradas como novelas "puente" entre las dos etapas
principales del autor.
3) En 1921 comienza su última y más lograda tendencia
narrativa. La acción disminuye y los personajes encarnan ideas o actitudes
vitales. Abundan las disquisiciones sobre política, moral y estética. En ellas
se intenta buscar una armonía o principio ordenador de un universo de
contrarios. Estructuralmente las obras se basan en un relativismo perspectivista:
la realidad se bifurca, de todo se nos dan dos visiones. La mejor novela de
este periodo es sin duda Belarmino y Apolonio (1921).
Trata del amor frustrado entre dos
jóvenes que debieron separarse en su juventud. Se reencuentran al cabo del
tiempo. Él es un sacerdote, ella una prostituta. Pero los auténticos
protagonistas son Belarmino y Apolonio, zapateros, padres respectivos de los
dos amantes. El uno, filósofo; el otro, dramaturgo. Cada uno encarna una visión
distinta del mundo. De cada hecho se nos dan dos visiones: es el método
perspectivista. Para Pérez de Ayala la mayor verdad será la que contenga el
mayor número posible de puntos de vista. Al final se produce la reconciliación
entre personajes y estructuras. La acción de la novela avanza entre digresiones
sobre lo dionisíaco y lo apolíneo, sobre el cristianismo primitivo, sobre la
felicidad de los pueblos, sobre teatro y filosofía -Sófocles versus Sócrates-, que confirman el valor
simbólico de la obra.
Otros títulos de esta última etapa del autor son Luna de miel, luna de hiel y su
continuación Los trabajos de Urbano y
Simona -publicadas juntas en 1923-, Tigren
Juan y El curandero de su
honra, también con un argumento común y editadas en un mismo volumen en
1926.
Con un estilo denso, en el que mezcla ironía y
gravedad, palabras populares y cultas, Pérez de Ayala se esfuerza en sus
novelas por conseguir una precisa transcripción de su pensamiento, de sus
paradojas, de su complejidad. Novela-ensayo, novela intelectual,
perspectivismo… su original técnica y enfoque narrativos no dejan nunca de lado
la amenidad y la ironía, dentro de la apuesta innovadora de la novela
novecentista.
3.2.- Gabriel Miró
(1879-1930)
La vida de Gabriel
Miró, nacido en Alicante, estuvo marcada por su estancia en un colegio de
jesuitas, que incrementó o desencadenó una tendencia misantrópica y triste. Sus
estudios de Derecho no hicieron sino retrasar su producción literaria y alejar
su regreso a Alicante, donde parecía que encontraría su redención. Sería para
él siempre su minuciosa escritura un consuelo importante.
Las novelas de Gabriel Miró poseen la peculiaridad de
haber sido escritas con un preciosismo formal que recuerda el modernismo
decimonónico, concretamente sus tendencias decadentistas más líricas. Entronca
con la novela lírica de Azorín, de importante influencia, por otra
parte, entre los autores del 14, tal y como ha justificado Ricardo Gullón.
Además, plásticamente, se le ha relacionado con el cubismo.
La crítica lo ha considerado como epígono del 98 pero
la etiqueta que mejor le va es la de experimentador, por su cuidado de la
expresión y por los nuevos caminos que abre. Se trata de un estilista
exquisito, a veces incomprendido, ya que se analiza su obra desde la óptica de
la novela tradicional, a la que supera continuamente. Destaca también Miró por
su temperamento voluptuoso, por su sensibilidad exacerbada y por su excepcional
capacidad de captar sensaciones: luz, aromas, sonidos, colores. Debido a su
lirismo, Dámaso Alonso lo denominó "gran poeta en prosa". La belleza
formal es, pues, lo que prevalece en sus novelas, pasando la acción a ser algo
secundario.
Destacan sus obras Nuestro Padre San Daniel
(1921), y El obispo leproso (1926), que forman un bloque. Transcurren en Oleza (trasunto de
Orihuela), representación de un mundo nebuloso, casi desaparecido, que el autor
pretende rescatar. La acción es mínima. Lo fundamental es la creación de
ambientes y de personajes. Miró aspira a captar la vida monótona y asfixiante
de una comunidad cerrada. En la obra se desarrolla un enfrentamiento entre los
que viven dominados por la idea del pecado y los que están abiertos a la
felicidad y al disfrute humanos. Los primeros reprimen toda alegría por ser
pecaminosa; sólo la amargura es hija de la virtud. El autor critica la tragedia
de las personas que tienen este sistema de valores. Pero es una crítica
indirecta, que se desprende de los acontecimientos. En la obra se oye siempre
la voz impasible del narrador, que rara vez realiza juicios de valor.
Otras novelas
destacadas de Gabriel Miró son Las
cerezas del cementerio (1910) -sobre un amor apasionado en un sensual
ambiente levantino- y los compendios de relatos breves El libro de Sigüenza (1917) y Años y leguas (1928), cuyo protagonista es el “alter ego”
del autor que evoca sucesos, personajes y ambientes. Debe destacarse también Figuras de la Pasión del Señor
(1917), que recrea la vida de Cristo inspirándose en los Evangelios y en textos
de E. Renan y otros libros históricos.
4.-
La poesía: Juan Ramón Jiménez (1881-1958)
Nació en Moguer (Huelva), en 1881,
en el seno de una familia de cultivadores y exportadores de vinos. A los once
años fue alumno interno en el colegio de los jesuitas del Puerto de Santa María
(Cádiz). “De esos dulces años recuerdo que jugaba muy poco y que era gran
amigo de la soledad”, escribiría
él mismo. En su adolescencia partió hacia Sevilla para estudiar Derecho, aunque
se interesó más por la poesía y la pintura -inicia su aprendizaje de este arte
en un taller neoimpresionista sevillano-. La carrera, iniciada por imposición
paterna, quedó sin acabar en este intento y en otros posteriores. La familia
del poeta, “culta, tradicionalista y conservadora”, no se opuso a su vocación
y le alentó en sus aspiraciones. Su decisión de dedicarse por completo a la
poesía pudo tomarla porque la economía familiar se lo permitía y porque, ya en
Sevilla, la lectura de Bécquer había despertado su vocación literaria.
En abril de 1900 se traslada a
Madrid, donde vive un periodo de exaltado anarquismo. Este viaje se debe en
parte a una invitación del poeta modernista Francisco Villaespesa, autor que conoce los primeros poemas de
Juan Ramón y comparte con él su pasión por Rubén Darío. Ese
mismo año aparecen sus dos primeros libros: Ninfeas, -título que
le aporta Valle-Inclán- y Almas
de Violeta -título sugerido por Rubén Darío-. Sin embargo, sólo permanece
en la capital dos meses: “Me sentí muy enfermo y tuve que volver a mi casa.”
Llegado el verano, regresa a Moguer, afectado por una neurosis depresiva que
arrastrará toda su vida. En mayo de 1901 su familia le ingresa en el sanatorio
de enfermos mentales de Castell d’Andorte, en Le Bouscat (Burdeos), donde Juan
Ramón aprovecha para profundizar en su conocimiento de la poesía francesa -autores
parnasianos y simbolistas- y escribe su libro Rimas,
publicado en 1902.
A finales de 1901 se traslada de
nuevo a Madrid, residiendo hasta 1903 en la clínica neuropática del Rosario, lugar
donde sigue curando su enfermedad y aumentando sus amistades y su creación
literaria; vive también en casa del doctor Simarro, gran amante de la
literatura, que le pone en contacto con la Institución Libre de Enseñanza. La
publicación de Rimas supuso un gran paso adelante en su carrera de
escritor y su consagración en el ambiente literario madrileño. El modernismo de
tendencia parnasiana cedía el paso al simbolismo.
Arias tristes (1903) reafirma la fama del poeta.
Una nueva crisis le lleva en 1905 de
nuevo a Moguer, donde pergeña Platero y yo, a la vez que sigue
escribiendo poemas amorosos, inspirados en gran parte en el simbolismo francés,
entre ellos uno de los más conseguidos: El viaje definitivo. El trienio
1905-1907 es duro para el poeta: a la crisis depresiva se une el progresivo
descalabro económico de la familia. Volverá a Madrid en 1911, sobre todo por la
insistencia de Ramón Gómez de la Serna -en cuya revista “Prometeo” habían ido
apareciendo varios poemas suyos-, del que sin embargo se irá distanciando al
atraerle más el ambiente intelectual de la Residencia de Estudiantes que los
“juegos” vanguardistas de Ramón.
Se instalará en dicha residencia en 1913, convirtiéndose en uno de sus
principales animadores. Es en esta fecha cuando conoce a la joven catalana
Zenobia Camprubí Aymar, de quien se enamora profundamente. Se casará con ella
en 1916, en la iglesia católica de St. Sthephen, en Nueva York.
Del viaje por mar a América junto a
su futura mujer surge el libro Diario de un poeta recién casado.
En este viaje el poeta redescubre el mar, que pasará a ser uno de sus más
importantes símbolos poéticos, hasta el punto de que él mismo cambiará
posteriormente el título del libro por Diario de poeta y mar. Con esta
obra se abre el ciclo de la poesía pura y de la intelectualización de la
lírica juanramoniana.
Tras su vuelta a Madrid, encabeza movimientos
de renovación poética, dirige diferentes revistas literarias y entra en
contacto con los principales poetas de la Generación del 27. Será especialmente
importante la influencia de su obra Eternidades, publicada en 1918.
Luego aparecerán Piedra y cielo (1919), Poesía
(1923) y Belleza (1923). Entre 1925 y 1935 Juan Ramón publica sus
Cuadernos, en los que da a conocer todo lo que escribe en ese
periodo. En estas publicaciones, además de poemas incluye cartas, retratos
líricos de escritores y recuerdos literarios. En 1935 el poeta rehusó la
invitación a ocupar un sillón vacante de la Real Academia Española.
Al estallar la guerra civil, Juan Ramón siguió la causa
republicana y el Gobierno le facilitó pasaporte diplomático como agregado
cultural honorario de la Embajada de España
en Washington. Viaja así de
nuevo a América acompañado de su esposa, esta vez para quedarse. Vive en Puerto
Rico, su casi segunda patria; en La Habana, en Florida, en Washington y, a
partir de 1951, cuando las fuerzas y el corazón vuelven a jugarle malas
pasadas, se instala definitivamente en Puerto Rico. En estos años escribe los
libros más destacados de su última etapa: En
el otro costado (1942), La estación total (1946), Romances
de Coral Gables (1948), Animal de fondo (1949), Dios
deseado y deseante (1949) y el largo poema Espacio (1954).
El año 1956 tendrá para él una doble cara: la
concesión del premio Nobel de literatura y la muerte, 3 días después, de Zenobia,
hecho del que el poeta ya no se recuperará. Año y medio más tarde, el 29 de
mayo de 1958, en una desolación total, fallece en la clínica Mimiya de Santurce (Puerto Rico). Los
restos de Juan Ramón y de su esposa fueron trasladados en avión a Madrid pocos
días después de la muerte del poeta y, tras recibir un último homenaje en
Sevilla, fueron enterrados en el cementerio de Moguer.
4.2.- Trayectoria poética
Aunque por motivos pedagógicos se divida la obra de
Juan Ramón Jiménez en etapas y se muestren las características de cada una de
ellas, son imprescindibles unas consideraciones previas a la hora de efectuar
dicha división. Para el autor vida y obra vienen a ser una misma identidad. Él
no habla de su poesía sino de su Obra,
con mayúscula y comparando su labor con la de un dios. Creía en la unidad total
de toda su producción y para él “crear” era cumplir con su destino humano; más
aún: era lo único que podía dar sentido a su vida, que justificaba y salvaba al
poeta en sus momentos más críticos. Él mismo dijo: “La obra, como la vida,
se resuelve sucesivamente.”
Podría decirse que
toda la actividad poética de Juan Ramón Jiménez en su dilatada e intensa labor
no fue otra cosa que la exaltación y la apropiación de la Belleza, que persiguió
a través de la forma y de los sentidos, a través de la palabra exacta y de la inteligencia
-esa “conciencia de lo hermoso”- y a través de un sentido de totalidad y de absoluto,
de eternidad y plenitud, que le llevan a escribir una poesía cada vez más depurada,
más “desnuda” y más abstracta, hasta pensar su Obra como una forma de acercamiento
y de aprehensión de la creatividad divina, con la que el poeta (“dios deseado y
deseante”) se identifica. Esta labor constante, con resultados diversos pero
guiada siempre por un mismo anhelo de perfección, de belleza y de totalidad,
ligadas también a una serie de símbolos y de temas poéticos recurrentes, acaban
dando a toda su poesía una clara unidad.
Sentada esta
unidad global de su obra, hay que tener presente su evolución poética, con unas
constantes (como la soledad y su sentido de perfección estética) que le
llevaron en una primera época al cultivo de unos valores líricos elementales,
con predominio del sentimiento, para, posteriormente, mostrar en su obra un
deseo de plenitud o ansia de eternidad y, por último, un intento de penetrar en
las cosas para remontarse a lo abstracto.
Hay un poema
que Juan Ramón Jiménez escribió en 1918 y resume la evolución de su poesía
hasta ese momento:
Vino, primero, pura, / vestida de inocencia; / y la amé como un niño.
//
Luego se fue vistiendo / de no sé qué ropajes; / y la fui odiando sin
saberlo. //
Llegó a ser una reina, / fastuosa de tesoros... / ¡Qué iracundia de
yel y sin sentido! //
… Mas se fue desnudando. / Y yo le sonreía. //
Se quedó con la túnica / de su inocencia antigua. / Creí de nuevo en
ella. //
Y se quitó la túnica, / y apareció desnuda toda... / ¡Oh pasión de mi
vida, poesía / desnuda, mía para siempre!
//
Mucho más
tarde el poeta reducía su evolución a las tres fases siguientes:
1)
Época
sensitiva, desde sus comienzos hasta
1915 aproximadamente
2)
Época
intelectual, desde 1916 hasta 1936
3)
Época
“suficiente” o “verdadera”, desde
1936 hasta su muerte.
La época
sensitiva coincidiría con la poesía de “ropaje” modernista aludida en el poema,
tras unos comienzos de neorromanticismo e influencia simbolista (que se
corresponden con la poesía “pura, vestida de inocencia”, a la que se refiere el
primer verso), si bien el modernismo estaba ya presente en los dos primeros
libros de Juan Ramón, Ninfeas y Almas de
violeta. Este periodo modernista va de 1908 a 1915 y dentro de él destacan
los siguientes títulos: La soledad
sonora, Poemas májicos y dolientes, Sonetos espirituales
y Estío. También pertenece a
esta época el conocido libro en prosa poética Platero y yo, publicado por primera vez en 1914 y su edición
completa tres años más tarde.
La obra ya
aludida de 1916, Diario de un poeta
recién casado, supone la ruptura definitiva con el modernismo y el paso
claro hacia una nueva sencillez: la poesía “desnuda” o intelectual, en la que
se elimina lo anecdótico para dejar paso a la concentración conceptual y
emotiva. Por eso predominan los poemas breves, densos, en versos escuetos y
preferentemente libres, sin rima o con leves asonancias.
Ya hemos
citado anteriormente los libros principales de esta etapa, que termina con una
obra escrita entre 1923 y 1936 y publicada en 1946: La estación total. Hay unos versos definitorios de esta
poesía esencial, al comienzo del libro Eternidades:
¡Inteligencia, dame / el
nombre exacto de las cosas! /… Que mi palabra sea / la cosa misma, /
creada por mi alma nuevamente. / Que por mí vayan todos los que no las conocen,
a las cosas… /
En 1922, Juan Ramón resume así su idea del lenguaje
poético:
Sencillo.
Lo conseguido con menos elementos; es decir, lo neto, lo apuntado, lo
sintético, lo justo. Por lo tanto, una poesía que puede ser sencilla y
complicada a un tiempo… No creo, en ningún caso, en un arte para la mayoría. Ni
importa que la minoría entienda del todo el arte; basta con que se llene de su
honda emanación.
Durante su
exilio en América, Juan Ramón prosigue invariablemente su indagación poética,
por encima de las circunstancias, cada vez más encerrado en sí mismo y atento
sólo a una Obra cada día más exigente y ambiciosa. Es la etapa por él llamada
“suficiente” o “verdadera”.
Los dos
títulos principales de este periodo, ya aludidos, son Animal de fondo (1949) y Dios
deseado y deseante (1957). En ellos se produce una identidad entre el yo poético y la divinidad y una
exaltación del ánimo que tiende al misticismo, como consecuencia de la
eternización. Al final de su evolución -depuración- poética, Juan Ramón Jiménez
acabará identificando Obra y Belleza con dios y eternidad, en una poesía de
carácter pseudomístico donde sujeto y objeto poético se funden y tienden a lo
absoluto:
Estos
poemas (los de Animal de fondo)
los escribí yo mientras pensaba, ya en estas penúltimas de mi vida, en lo que
había yo hecho en este mundo por encontrar un dios posible por la poesía. Y pensé
entonces que el camino hacia un dios era el mismo que cualquier camino
vocativo, el mío de escritor poético, en este caso; que todo mi avance poético
en la poesía era avance hacia dios, porque estaba creando un mundo del cual
había de ser el fin un dios. Y comprendí que el fin de mi vocación y de mi vida
era esta aludida conciencia mejor bella, es decir general, puesto que para mí
todo es o puede ser belleza y poesía, expresión de la belleza.
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© Fidel Alonso